sábado, 2 de abril de 2022

LA POSIBILIDAD DE LA MÁSCARA BLANCA. Casa África. Las Palmas de Gran Canaria. España

Enmarcada en el contexto del proyecto MÁSCARA MIGRANTE Francis Naranjo presenta esta vídeo-instalación del 2 de abril - 25 de mayo del 2022 en la Sala Sahel de Casa África.

La posibilidad de la máscara blanca. 2021/22

 

Partiendo de la idea que la historia del arte nos indica que las diferentes fases de su desarrollo, concretamente desde el inicio del siglo XX, han ayudado a la ruptura que lo separa de casi 400 años de continuidad histórica, lineal y progresiva, y que esta ruptura no se refiere a un mero cambio de estilo artístico, sino a algo más importante, como es la refundación del arte: lo que ha dado lugar a otra cosa, que seguimos llamando arte; curiosamente esto surge desde el propio contexto del arte occidental. Estos experimentos no culminaron en esa y única gran verdad que buscaba el arte. Transformándose en esa otra cosa que multiplicó las posibilidades de hacer "arte" y de pensarlo.

Digamos que estas premisas han ayudado a que nos podamos acercar a otras propuestas que ya no provienen de la hegemonía occidental, existiendo una fractura en lo normalizado. Estas fracturas igualmente se multiplican ya no desde el pensamiento artístico, sino que se amplían al pensamiento social y político, con todo lo que conlleva en esta situación de confusión generalizada.

La posibilidad de la máscara blanca se presenta como una mesa de discusión que alberga su propia cárcel. Sobre ella se dispone una composición de elementos que reflexionan sobre lo indígena (y su manipulación occidental), sobre los "otros", sobre la condición humana, sobre la contaminación, el extractivismo, el suvenir, migraciones, y sobre todo poniendo sobre la mesa la fractura que nos separa (Diferentes células del organismo activan sus mecanismos para crear una unión entre los dos extremos del hueso. Además, crean un callo externo e interno de tejido fibroso y cartílago: Quizás debamos pensar el criterio de las leyes naturales para adecuarlo a nuestra modo de pensar).

La mascara es un mecanismo de escape, desde lo ritual hasta lo representacional, que nos ayuda a acercarnos a modelos diferentes de entender lo social. En esta propuesta utilizamos dos máscaras: Una del continente africano: Ghana; y otra del continente sudamericano: Bolivia. Ambas dos nos remiten a pensamientos ancestrales. Migraciones las relacionan en sus intenciones.

Esta mesa-cárcel es el detonante, se complementa con un trabajo videográfico que toma esta propuesta para cerrarla con la acción de tres migrantes sub-saharianos que se recoge en TV anexa.

La máscara de la tribu Ashanti de Ghana (presente en la mesa) son a menudo parte de un traje ceremonial y se usan en eventos religiosos y sociales para representar los espíritus de los antepasados. Estos rituales son a menudo agrícolas para alejar a los malos espíritus y obtener buenas cosechas. Encarna a las fuerzas de la fertilidad, fecundidad y crecimiento.

La máscara de los Abuelos (Bolivia, Chiquitanía) si bien no se sabe con certeza su origen, la tradición señala que era una forma de burla que los mayores de San José utilizaban con los jóvenes chiquitanos, que seguían las enseñanzas de los recién llegados misioneros jesuitas. Era la forma como intentaban disuadirles a que abrazaran las nuevas costumbres y también de asustar a los más pequeños que se acercaban, seducidos a escuchar los acordes barrocos con los que se evangelizaba.

La posibilidad de la máscara blanca se nos presenta como ritual donde son diferentes las fracturas sobre las que reflexionar, sobre todo desde el fracaso del modelo occidental y la necesidad de replantearlo a través del ritual y de nuestros ancestros.

El arte del indígena comienza en el territorio del cuerpo, escena privilegiada de sus expresiones, pero enseguida se propaga a su entorno inmediato, para sacudir de la modorra la rutina y promover en ellas el cumplimiento de sus funciones trascendentales y utilitarias, políticas y lúdicas.

Si bien en el ámbito del arte occidental moderno, forma y función son adversarias inconciliables, en el del indígena son aliadas: el trabajo estético no culmina en la revelación de la belleza.
















Para visionar el vídeo pinchar sobre el siguiente enlace:





jueves, 10 de febrero de 2022

Francis Naranjo en DESCUBRIR EL ARTE. Febrero 2022

En el número de febrero (276) de DESCUBRIR EL ARTE, a través de Juan-Ramón Barbancho, en el apartado EL AUTOR, se desglosan alguna de las claves del trabajo de francis Naranjo según el autor.





miércoles, 9 de febrero de 2022

V Salón de Gráfica. Guayaquil. Participación y curadoría de Francis Naranjo

Museo Nahim Isaías inaugura V Salón de Gráfica

 

En el museo Nahim Isaías de Guayaquil inaugura el V SALÓN DE GRÁFICA CONTEMPORÁNEA el miércoles 9 de febrero.

 

Este año, el V SALÓN DE GRÁFICA CONTEMPORÁNEA, se sitúa en lo que denominan La periferia, ese espacio donde convergen las artes y la resistencia. Esta muestra se ha realizado con la curaduría de Víctor Hugo Bravo (Chile) y Hernán Pacurucu (Cuenca) y desde Islas Canarias, la curaduría del artista español Francis Naranjo a través de la plataforma de la Fundación Francis Naranjo.

 

La curadoría de Francis Naranjo se conforma de 23 artistas canarios y ellos son:

 

- Teresa Correa

- Macarena Nieves Cáceres

- Ricardo Zamora

- Eduardo Caballero

- Liliana Zapata

- Acaymo S. Cuesta

- Miguel Pons

- Beatriz lecuona y oscar hernandez

- Eduardo Hodgson -

- Javier Fernández Caldas -

- Romina Rivero

- Mariví Gallardo

- Zahra Cheikh Larrocha

- Óscar Valido

- José Luis Luzardo 

- Miguel Rubio Tapia

- Francis Naranjo

- Alfons Simó

- Leandro Betancor

- Paco Sánchez Sánchez

- Rafael Arocha  

- Isolina Díaz

- Pedro Déniz

 

Y los brasileños:

Maíra Flores y Luciano Scherer

 

 

 

Las reflexiones en torno al Salón giran alejadas de la concepción tradicional de la gráfica, incursionando en propuestas con elementos tecnológicos que muestran desplazamientos, referentes históricos y memoria colectiva. “Lo más bello de la periferia es quizá que cuando todo cambia ella no cambia, no le pasa nada, por ejemplo, pensemos que, sí un día el planeta repentinamente girara y el norte pasara a ser el sur, las periferias se mantendrían siendo periferias, solo que la periferia del norte sería ahora periferia del sur y viceversa, pero periferia al fin. Nada cambiaría para bien o para mal”, afirma el curador Hernán Pacurucu.




Atlas de la periferia. Francis Naranjo. 2017

 

Este trabajo se plantea como un esquema de ruptura en torno al pensamiento único. Las ideas se acercan al individuo como entes etéreos que deambulan al igual que satélites alrededor de un planeta que los atrapa, y a través de su fuerza gravitatoria los incorpora en el interior.  Esto mismo se puede trasladar a situaciones que se nos presentan en comportamientos modernos: la periferia pasa a incorporarse al eje del funcionamiento de intercambio dentro-fuera. 







jueves, 14 de octubre de 2021

Participación en LAS FORMAS DEL CAOS. Nube Gallery. Con LA CONDICIÓN HUMANA (2021)

LA CONDICIÓN HUMANA es una propuesta para el contexto de la exposición LAS FORMAS DEL CAOS en NUBE Gallery, de Santa Cruz de la Sierra (Bolivia), abierta hasta desde el 14 de octubre hasta el 3 de diciembre 2021. Esta obra ha sido producida con el apoyo del Instituto Canario de Desarrollo Cultural, S.A. y ha sido posible gracias al apoyo del Gobierno de Canarias a través de su programa CANARIAS CREA.

La propuesta trata de reflexionar alrededor de la Condición Humana como eje detonante de un caos que se nos presenta, en la contemporaneidad, alrededor del orden social. Es una cuestión que se ha ido desarrollando durante mucho tiempo en mí producción, y es por ello que la propuesta se estructura en diversas capas, elementos producidos en diferentes épocas que van a convivir en esta producción. Pertenecen a contextos de trabajos de los años 1996, 2008, 2012, 2014, 2020 y 2021, que se han ido adecuando a la presentación actual.











En esta propuesta se ponen en escena diferentes elementos que ponen en diálogo versiones alrededor de la condición humana, alrededor de simbolismos que tratan de hacer reflexionar al visitante sobre su propia condición y su relación con lo social. Tiranteces y tensiones, la mancha negra que corona el resto de las composiciones, caracteres socializables que te plantean dónde se encuentra el estado de felicidad y cómo, la relación con el par a través de la mirada y su anulación, la anulación que conlleva el reconocimiento de una situación que te obliga a planearte el por qué de su aceptación, la situación territorial a través del concepto "periferia" y su relación con el cuerpo, y finalmente el reconocimiento de nuestro formato caduco. 



domingo, 26 de septiembre de 2021

Vídeo LA POSIBILIDAD DE LA CELEBRACIÓN. 2021

AÑO: 2021

MP4 - 01:41

LA POSIBILIDAD DE LA CELEBRACIÓN se plantea como un interrogante a las actividades del ser humano. Tradiciones y reflexiones sobre la contemporaneidad nos asaltan como preguntas. 






sábado, 3 de julio de 2021

Exposición individual en el Castillo de Mata bajo Fundación Francis Naranjo. Gran Canaria. España. Del 3 de julio al 14 de agosto 2021

DESIERTO Y LABERINTO es la premisa que aglutina el trabajo de Francis Naranjo para reunir distintas producciones de los años 2015 al 2018; perteneciendo a tres series de líneas de trabajo que son: LAS PIEDRAS, SUEÑAN; CIENTO CINCUENTA MILLONES DE AÑOS Y el vídeo VIAJE A TIAWUANAKU.

Existe un eje que los aglutina, y éste es uno de los conflictos vinculado a la condición humana, la disyuntiva antagónica.

Una de las producciones, "Las piedras, sueñan", surje de un viaje a la Isla de La Luna en el lago Titicaca (Bolivia), donde descubre Francis Naranjo en el Palacio de Iña Kuyu, de la comunidad Coati, varios santuarios en los que las ofrendas eran piedras de apariencia vulgares, éstas eran piedras místicas. Ante esta sorpresa, y existiendo previamente relación con sus energías y misterios, decidió que le acompañara una de ellas a continuar el "viaje". Uno de los acompañantes le apuntó ante el descubrimiento de lo que había decidido:  ten cuidado con lo que has hecho, si te llevas una piedra de aquí tendrás que volver a depositarla en su lugar, soñarás, y así ocurrió al llevarse una de ellas.

En segunda instancia aparece el enigma alrededor de las producciones "Ciento cincuenta millones de años": ¿Cuántos son 150 millones de años? ¿Cómo podemos crear una imagen mental que represente  150 millones de años? Aquí se genera un conflicto mental cada vez que tratamos de plantear el significado de éste valor, y si en verdad existe alguna manera de representarlo.

Se encadenan distintas producciones que nos remiten a factores relacionados con la condición humana. Algo así como un juego que nos recuerda que la naturaleza emplea unos códigos bien diferenciados a la costumbre humana por colonizar y saquear todos los territorios. Una roca que se formó en el lecho marino hace 150 millones de años para aflorar a un territorio que fue un paraje arbolado salpicado de lagos y pantanos hasta hace sólo unos 15.000 años (Desierto de Atacama). Así como otra composición que lleva por título Melancolía. Otra que reflexiona sobre dos polos antagónicos como son el Desierto y el Laberinto. Una producción que lleva por título Ósmosis y finalmente una producción audiovisual en colaboración con el poeta Dionisio Cañas y el Compositor José Manuel López López que lleva por título Viaje a Tiawanaku, que cierra el recorrido.

Nuestros monstruos nos incitan a introducirnos en el laberinto del desierto para encontrarnos y vencer nuestros miedos; hay que tener en cuenta que la salida del laberinto no está fuera; la salida del laberinto está exactamente en el centro, en el corazón del laberinto. El que penetra en el laberinto y, advirtiendo sus recovecos y tortuosidades, siente miedo y huye, el que pretende escapar hacia los laterales o quedarse fuera, o tan solo husmear apenas la superficie, ese no resuelve el laberinto. Hay que introducirse, caminar, llegar al centro mismo. En el centro está la salida, no hacia fuera. Hay que tener la valentía de un Teseo y enfrentar los monstruos a nuestra propia CONDICIÓN HUMANA.





miércoles, 23 de junio de 2021

Exposición individual ENFERMEDAD COLECTIVA en Bienal Nómade. A 42G. Del 23 de junio al 15 de septiembre. Guayaquil. Ecuador

Enfermedad colectiva

Vídeo-instalación

2019/2021

 

El concepto enfermedad es algo que ha ido evolucionando a lo largo de las diferentes civilizaciones, de hecho en el periodo en que fueron realizadas las cerámicas que aquí se presentan (Culturas Tolita-Tumaco y Bahía) no existía este vocablo, es decir, no contemplaban la enfermedad tal como la conocemos ahora.

La riqueza patrimonial de los pueblos prehispánicos de América Latina se manifiesta de múltiples maneras, a pesar del todavía insuficiente conocimiento de la misma.

Una de ellas, de gran belleza, tiene ver con el desarrollo estético alcanzado en un material como la cerámica. Desde su surgimiento en América, hace unos 7000 años esta se convirtió en un vehículo importante de manifestaciones culturales. La cotidianidad, los estados de salud y enfermedad, el poder, el género, los ritos chamánicos, la vestimenta, los adornos, entre otros, fueron plasmados de una forma magistral por los antiguos alfareros americanos.

Hace más de 2000 años en la costa pacífica colombo-ecuatoriana, los artistas alfareros de la Cultura Tumaco-La Tolita sobresalieron por el realismo de sus obras realizadas en cerámica. Los estados de salud y enfermedad fueron uno de sus temas preferidos.

Hoy en día, en contraposición a lo antes descrito, la enfermedad contemporánea oculta o inventa nuevos roles relacionados con ella.

En esta propuesta se ponen en escena diferentes elementos que ponen en diálogo versiones alrededor de la enfermedad. Una medique trans reflexiona sobre diferentes actitudes que hoy en día se ponen en práctica alrededor de la medicina contemporánea; mientras ella nos relata sus experiencias, sus conocimientos y versiones, compartiendo pantalla aparecen diferentes cerámicas de las Culturas Tolita-Tumaco y Bahía, representaciones que enardecían la enfermedad (genético-congénitas).

En esta puesta en escena entra también en juego el espectador, donde para acercarse al relato de la médique ha de obviar las proyecciones para sentarse frente al resto del público y acercarse al audio a través de unos audífonos, de ésta manera se expone como parte de la museografía planteada.  Un paciente más.

Cierran este recorrido unas composiciones fotográficas  a modo de fractales, composiciones donde unos maniquíes de prácticas hospitalarias nos recuerdan el valor de la repetición y manipulación a las que nos vemos sometidos como agentes externos a la participación de la enfermedad contemporánea.   

 










 


martes, 22 de junio de 2021

Francis Naranjo en Bienal Nómade capítulo Guayaquil. 42G. del 22 de junio al 15 de septiembre de 2021

 

AQUELLO QUE NO SE VE RESUENA. 2021

-Luces electroboscópicas, marcos de aluminio y acrílicos.

Instalación lumínica que reflexiona sobre la influencia de lo que no se ve pero que afecta de forma subliminar. La ausencia de registros que nos dejan rastro para volcarse  a la mente como el factor determinante de aquello que nos afecta, repercute en nuestro comportamiento y transforma nuestras conductas, ya sean comunitarias o individuales.

El umbral es la entrada a aquello que decidimos no ver. El secreto de nuestros miedos donde supuestamente la modernidad iba a ser aquel periodo de la historia humana en el que, por fin, nos sería posible dejar atrás los temores que dominaron la vida social del pasado. Y, sin embargo, volvemos a vivir una época de miedo. Tanto si hablamos del miedo a los desastres naturales, a las catástrofes medioambientales, atentados terroristas o pandemias...