Exposición colectiva HOMENAJE A CARMEN CABALLERO: UN SER DE ARTE. Comisariada por Francis Naranjo en Casa Fugaz, Lima, Perú.

HOMENAJE A CARMEN CABALLERO: UN SER DE ARTE

Carmen Caballero nace en Santa María de Guía en junio de 1956, fallece en Las Palmas de Gran Canaria en septiembre de 2024. Su trayectoria vital y artística queda profundamente ligada a la de Francis Naranjo desde el año 1983. A partir de 1984, ambos inician una colaboración ininterrumpida que se prolongará durante cuatro décadas, atravesando proyectos, desplazamientos, exposiciones y procesos de investigación compartidos. En esa extensa travesía conjunta no existe un solo territorio recorrido, una sola experiencia artística o humana, que no haya sido vivida desde la complicidad y el diálogo mutuo. Más que una colaboración, construyeron una forma de existencia en común atravesada por el arte, el pensamiento y la experiencia del mundo.

Este homenaje nace desde el dolor de la pérdida, pero también desde la necesidad de comprender cómo la memoria transforma la ausencia en permanencia. La muerte irrumpe como un paisaje quebrado donde el tiempo parece detenerse; sin embargo, el recuerdo actúa como una corriente silenciosa que continúa sosteniendo aquello que el cuerpo ya no puede retener. La memoria se convierte entonces en un mar interminable: un espacio donde convivimos con el duelo, con el miedo al olvido y, al mismo tiempo, con la certeza de que quienes amamos continúan habitando nuestras vidas de formas invisibles.

El dolor de perder a un ser querido no desaparece; se transforma. Permanece como una vibración íntima que reaparece en los gestos cotidianos, en las imágenes, en los objetos, en los lugares compartidos. Los recuerdos emergen cargados de una intensidad contradictoria: contienen la belleza de lo vivido y, a la vez, la herida irreparable de aquello que ya no volverá. En esa tensión entre presencia y ausencia se sitúa este homenaje. No como clausura, sino como un acto de permanencia afectiva y simbólica.

Hablar de Carmen Caballero implica también reconocer una práctica artística y humana profundamente vinculada a los procesos de creación colectiva, al viaje y al encuentro con otras geografías culturales. Junto a Francis Naranjo, desarrolló una presencia constante en espacios internacionales de arte contemporáneo, articulando proyectos que atravesaron distintas latitudes y contextos. Sus producciones estuvieron presentes en instituciones y centros de referencia como el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile, el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, Kulturprojekt Röda Sten, el Museo Nacional de Bolivia, la Haus der Kulturen der Welt, el Museo de Arte Contemporáneo de Paraná, el Palais de Tokyo, el Barbican Arts Centre, el Centre Pompidou, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Jeu de Paume, el Museo del Barro o el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo–MAAC, entre muchos otros.

En los últimos años, gran parte de su actividad se concentró especialmente en Sudamérica, territorio donde encontraron una intensa afinidad afectiva, política y cultural. El último viaje realizado juntos tuvo lugar en abril de 2024, en Monumental Callao, específicamente en Casa Fugaz, con motivo de la exposición colectiva internacional Del Rostro a la Máscara. Ese desplazamiento, sin saberlo, se convertiría en la última experiencia compartida antes de la partida definitiva de Carmen.

Es precisamente esa circunstancia la que otorga a este homenaje una dimensión profundamente simbólica: regresar al último lugar habitado juntos, al último espacio donde el arte volvió a reunirlos en un proyecto común. El homenaje se plantea así no solo como un ejercicio de memoria, sino también como un gesto de retorno. Volver al territorio de la última travesía compartida significa reconocer que los lugares conservan huellas, resonancias y afectos; que los espacios también recuerdan.

Este homenaje póstumo no pretende únicamente narrar una trayectoria, sino activar una presencia. Convocar a Carmen Caballero desde las imágenes, las memorias y los vínculos que dejó sembrados en cada proyecto, en cada viaje y en cada persona que compartió con ella una experiencia artística o vital. Porque hay existencias que trascienden la desaparición física y continúan habitando el mundo a través de la sensibilidad que despertaron en los otros. Y Carmen Caballero fue, precisamente, eso: un ser de arte.

VISTAS EXPOSICIÓN (Selección). Realizada en 13 salas de Casa Fugaz en Monumental Callao. 

Participación en la Bienal de Cuenca (Ecuador). Artista-Curador. Octubre 2025.

Participación de Francis Naranjo como artista con la siguiente propuesta:

Nadie es más igual que otra Nadie (en el juego de la vida)

BIENAL DE CUENCA (ECUADOR). 2025

La propuesta expositiva NADIE ES MÁS IGUAL QUE OTRO NADIE (EN EL JUEGO DE LA VIDA) sumerge al espectador en un espacio donde la vida y la muerte convergen en un mismo plano, enfrentándonos a las condiciones de vulnerabilidad que nos igualan en la fragilidad de la existencia.

Ubicada dentro de una capilla (Iglesia), la instalación genera un ambiente hospitalario mediante la disposición de dos cajas de urgencias, cada uno con una cama de hospital y televisores que reproducen entrevistas y contenido audiovisual. Este montaje no solo establece una relación entre el cuerpo enfermo y el cuerpo migrante, sino que también invita a la reflexión sobre los sistemas de cuidado, el tránsito entre la vida y la muerte, y el rol del ocio en estos procesos.

En el primer cuadro, se presenta la historia de una migrante senegalesa (Soda Niasse) que ha llegado a Canarias. Su testimonio, transmitido a través de un televisor sobre la cama de hospital, narra su experiencia de desplazamiento, resistencia y supervivencia. En la segunda pantalla dentro de este espacio, se reproduce una partida del videojuego “Papers, Please” que tematizan la migración, mostrando los obstáculos, decisiones y retos que los jugadores deben sortear, generando una metáfora lúdica del viaje migratorio.

En el segundo cuadro, la figura de una médica (Encarna García Cabrera) especializada en cuidados paliativos toma protagonismo. Su entrevista, emitida en la televisión principal, explora el enfrentamiento diario con la muerte, la gestión del dolor y el acompañamiento en los últimos momentos de vida. A su lado, otra pantalla presenta una partida del videojuego “That Dragon, Cancer ” relacionado con la enfermedad del cáncer, una experiencia interactiva que refuerza la dimensión simbólica de la lucha contra la enfermedad junto a la aceptación de la realidad.

La posibilidad de poder instalar en una capilla como espacio expositivo amplifica el impacto de la instalación. En este entorno cargado de significado espiritual, el espectador se ve inmerso en un cruce de narrativas donde la vida se juega en distintos tableros: el de la migración, el de la enfermedad, el del destino y el azar. El hospital, la capilla y los videojuegos dialogan en un mismo escenario, resaltando la manera en que la sociedad gestiona el sufrimiento, el cuidado y la incertidumbre del futuro.

NADIE ES MÁS IGUAL QUE OTRO NADIE (EN EL JUEGO DE LA VIDA) nos interpela sobre los paralelismos entre distintas experiencias de vulnerabilidad, cuestionando la manera en que las enfrentamos y cómo, al final, todos jugamos una partida donde la igualdad se manifiesta en la incertidumbre de lo que vendrá.

Agradecimiento especial a:

Papers, Please — Lucas Pope / 3909 LLC

Ese dragón, Cáncer — Juegos Numinosos

 

Declaración

El juego está en el centro de esta obra, no como entretenimiento sino como dispositivo para exponer las reglas, roles y contingencias que ordenan nuestras vidas. Entendiendo el juego en dos claves: como mecánica —con sus reglas, objetivos y consecuencias— y como figura simbólica que permite pensar la incertidumbre, la estrategia y el azar que atraviesan la migración y la enfermedad

Las partidas reproducidas — Papers, Please y That Dragon, Cancer — operan como espejos lúdicos. El primero despliega un sistema de decisiones burocráticas donde el jugador, obligado por reglas externas, gestiona permisos, rechazos y penalidades: una traducción lúdica de las fronteras administrativas que determina quién circula y quién queda fuera. El segundo usa la jugabilidad para habitar la experiencia afectiva de la enfermedad: no se trata sólo de vencer a un enemigo, sino de sostener, acompañar, fracasar y aceptar. Juntos, funcionan como dos tipos de tablero —uno institucional y uno íntimo— que muestran cómo el “juego” regula los cuerpos, expectativas y cuidados.

La capilla transformada en una doble caja de urgencias arma dos tableros enfrentados: cámaras que reproducen partidas y voces que relatan historias reales crean una tensión entre la simulación y la vivencia. Al colocarlos en un mismo espacio ritual-hospitalario, el espectador se ubica frente a partidas que no son inocuas: observa decisiones que tienen costo humano, contempla reglas que producen desigualdad, percibe la fragilidad que comparte todo jugador ante el azar. El carácter lúdico permite, además, desamar la solemnidad aparente de los sistemas —funcionarios, protocolos, diagnósticos— para mostrar su carácter performativo y contingente.

Quiero subrayar que el juego aquí no equivale a frivolidad. Es una herramienta crítica: revela cómo las sociedades formalizan el cuidado, la exclusión y la responsabilidad; cómo se asignan puntajes —prioridades, recursos, tiempo— y cómo la suerte y la normativa pueden convertir la vida en una partida donde no todos parten desde la misma casilla. Al nombrar esto mediante lo lúdico, la obra pretende abrir una experiencia estética que sensibilice sobre las reglas que nos atraviesan: para que la empatía deje de ser solo reacción afectiva y se convierta en reconocimiento de la estructura que condiciona la supervivencia.

En última instancia, el “juego de la vida” que propone es una invitación ambivalente: a mirar cómo jugamos, a interrogar las reglas, ya entiendes que, aunque la incertidumbre nos iguala en la fragilidad, las reglas establecidas determinan quién cuenta como jugador con posibilidad de ganar.

Exposición colectiva internacional en el Museo de Arte Contemporáneo, Santiago de Chile. DINÁMICAS VERTIENTES SUR<->SUR

 DINÁMICAS VERTIENTES SUR<->SUR

Curaduría: Francis Naranjo y Eduardo Caballero

 

8 de agosto de 2025 - 19 de octubre de 2025

 

“Dinámica de vertiente es un término procedente de la geomorfología, que designa los procesos mediante los cuales valles, laderas y pendientes funcionan como sistemas de transporte y acumulación de materiales; agua, sedimentos, fragmentos de roca, modelando así el paisaje”, explican los curadores y artistas grancanarios, Francis Naranjo y Eduardo Caballero (quién también es geógrafo). Los responsables de la muestra DINÁMICAS VERTIENTES SUR<->SUR, detallan, además, que su proyecto ocupa este término "como metáfora para abordar los territorios de procedencia de los artistas participantes, territorios del sur global, comprendidos como geografías sometidas, al igual que el propio sistema-mundo, a dinámicas históricas establecidas desde el inicio del proceso colonial y que continuarán hasta el presente. Esta metáfora permite, además, imaginar la posibilidad de un flujo invertido".

 

Los territorios a los que se refieren Naranjo y Caballero, son específicamente Canarias, Cabo Verde, Chile, Ecuador y la República Democrática del Congo. “Todos ellos entendidos como laderas sur, espacios por los que discurren las prácticas de 17 artistas que emprenden el ilógico ejercicio de fluir ladera arriba, desafiando la pendiente”, señalan en el texto curatorial de la exposición.

 

La selección de estos países, explican, "se configura de manera orgánica a partir de una red de colaboración e intercambio artístico que hemos ido tejiendo durante los últimos años. Además, son geografías que conocemos: territorios que hemos habitado, investigado o con los cuales mantenemos vínculos afectivos, intelectuales y de trabajo". Pero además de la cercanía, literal o metafórica, en el centro del proyecto de Francis Naranjo y Eduardo Caballero se aloja un claro interés “por conformar un mapa que evoca el Atlántico como espacio de cruce: América y África (sur-sur) aparecen aquí no solo como referentes geográficos, sino también como constatación del fenómeno de la colonialidad, especialmente en torno al denominado “descubrimiento” o invasión de América”.

 

Junto con el perfil geopolítico de la exposición, DINÁMICAS VERTIENTES SUR<->SUR, se estructura a partir de otras características. Una de ellas es la predominancia del formato instalativo. Esto, según explican los curadores, “responde a la intención de generar un recorrido que ofrezca diferentes atmósferas, permitiendo al espectador desplazarse entre territorios y sensibilidades”. Otra de sus características, es que, si bien el proyecto no se limita a artistas vinculados a la academia, si hay una preponderancia de estos. “La idea es propiciar un espacio de encuentro entre quienes generan pensamiento desde ya a través de sus prácticas, produciendo no sólo obra, sino también reflexión crítica y, en algunos casos, teórica. Buscamos, además, que estos encuentros puedan derivar en conexiones institucionales, generando puentes entre territorios a través de redes de educación, enseñanza e investigación”, explica.

Fancis Naranjo presenta su propuesta expositiva en este contexto expositivo:

LA NACIONALIDAD DE DIOS

2025

Instalación

La intervención confronta al espectador con una afirmación provocadora:

“Al ciudadano le conviene atesorar la misma nacionalidad que Dios.”

La palabra atesorar aparece en un letrero electrónico donde se desplaza continuamente, reemplazada por sinónimos como tener, portar, poseer, conservar, custodio, cargar. Esta oscilación semántica —donde el lenguaje parece buscar sin éxito una forma definitiva de enunciar la posesión— refuerza la ambigüedad del mensaje, y abre múltiples interpretaciones sobre la relación entre poder, identidad y sumisión.

Debajo del texto, cuatro rejillas de ventilación dejan escapar una multitud de cucarachas que avanzan amenazantes, invadiendo el espacio visual y conceptual de la obra. Estos insectos, símbolos de resistencia y decadencia, transforman el mensaje en un comentario crítico sobre la corrupción, el miedo y la imposición de creencias.

La relación entre el texto y las cucarachas genera una tensión inquietante: ¿qué ocurre cuando las ideas que nos rigen emergen de las sombras, como plagas inevitables?

Exposición UNIDAD MÍNIMA. Centro de Arte Baños del Almendro. Valparaíso. Chile.

Bajo la Curaduría de Francis Naranjo y Eduardo Caballero se presenta la exposición colectiva internacional  Unidad Mínima.
Cada obra nace de un impulso primario, de un punto de partida esencial que define su existencia. La unidad mínima es el germen, la célula fundacional de toda forma, la partícula indivisible que sostiene el todo. En esta exposición colectiva, diferentes artistas exploran los límites de lo esencial, despojándose de lo superfluo para revelar la estructura fundamental de sus lenguajes.
La unidad mínima es, a la vez, origen y frontera. Es el trazo que da inicio al dibujo, la palabra que condensa un pensamiento. En el arte, como en la naturaleza, todo se compone de fragmentos, de elementos básicos que, al reunirse, generan armonía, contraste, ritmo, tensión. Aquí, cada pieza es una indagación en esa estructura primaria que subyace a la creación: la mínima expresión que aún conserva su identidad, el límite exacto antes de la disolución.
En un mundo saturado de información y estímulos, la búsqueda de lo esencial se vuelve un acto de resistencia. Reducir, simplificar, volver a lo mínimo no implica renunciar a la complejidad, sino encontrarla en su estado más puro. Los artistas reunidos en esta muestra trabajan desde distintos formatos y materiales, pero todos comparten la misma inquietud: ¿qué es lo indispensable en la obra? ¿Hasta dónde puede descomponerse una idea sin que pierda su significado? ¿Qué sucede cuando nos enfrentamos a lo mínimo, sin adornos, sin distracciones?
Cada pieza expuesta propone una incertidumbre a estas preguntas. Pero la unidad mínima no es un destino final, sino un punto de tensión. Es el equilibrio precario entre lo dicho y lo callado, entre lo visible y lo latente. Cada artista aquí presente ha despojado su lenguaje hasta el hueso, hasta ese umbral donde la obra podría reducirse a la nada o volverse infinita. En este ejercicio de reducción, lo mínimo se convierte en un campo de posibilidades, en un espacio donde la ausencia cobra presencia y donde lo esencial revela su potencia contenida, abriéndose como una puerta silenciosa hacia nuevas formas de percepción.
Esta exposición es un recorrido por esa paradoja: la de encontrar lo infinito en lo mínimo, la de reducir para expandir.

Francis Naranjo presenta en el marco de la exposición colectiva "Unidad Mínima" la obra "HISTORIAS MÍNIMAS", se presenta como un díptico de pequeño formato que interpela al espectador desde la tensión entre dos polos existenciales. A través de la yuxtaposición de una imagen de un grillete y el prospecto de un medicamento a base de morfina, la pieza traza un recorrido visual y conceptual por los límites de la vida, el control y la muerte.
El grillete, símbolo universal de la coerción, la restricción y la represión, alude a un estado de sometimiento, ya sea físico, social o psicológico. Su materialidad evoca la dureza del metal, la intransigencia de una estructura que aprisiona, que marca la piel y la historia de quienes lo han portado. En esta primera parte de la obra, la representación del grillete funciona como una metáfora de las cadenas impuestas, del control ejercido por fuerzas externas o internas que limitan el movimiento y la libertad del individuo.
Por otro lado, la segunda parte del díptico introduce un elemento radicalmente distinto pero igualmente opresivo: el prospecto de la morfina. Este medicamento, asociado históricamente con el alivio del dolor extremo, aparece aquí como el signo de un tránsito final. Su presencia remite a la enfermedad, a la fragilidad del cuerpo ya la inminencia de la muerte, pero también a la posibilidad de un alivio que, paradójicamente, conlleva la pérdida de la conciencia y la disolución del yo. La morfina, con su capacidad de adormecer, de borrar la sensación de sufrimiento, se erige como un símbolo ambivalente: es refugio y condena, es descanso y despedida.
La tensión entre estos dos elementos, aparentemente inconexos, genera un diálogo inquietante en el que la existencia se debate entre la sumisión y la disolución, entre la resistencia y la entrega. "HISTORIAS MÍNIMAS" nos obliga a reflexionar sobre los espacios intermedios en los que la vida deambula, atrapada entre la imposición de fuerzas externas y la fragilidad de su propia naturaleza. La elección del formato pequeño refuerza la idea de lo íntimo, de lo personal, como si cada historia contenida en este díptico fuera de una narración breve pero intensa sobre la condición humana.
En el contexto de la exposición "Unidad Mínima", esta obra resulta como una exploración del límite mismo de la existencia, de esos puntos en los que la vida se pliega sobre sí misma y se enfrenta a sus propias contradicciones. ¿Dónde se encuentra la verdadera libertad? ¿En la resistencia al control o en la entrega a la disolución? "HISTORIAS MÍNIMAS" no ofrece respuestas, pero plantea preguntas urgentes y universales que resuenan en la memoria y en la experiencia de cada espectador.

En la prensa Canaria se hacen eco de nuestra participación como curadores-artistas en la Bienal de Cuenca, Ecuador

 

Exposición LA POSIBILIDAD DE UN LUGAR. Galería Bibli. Santa Cruz de Tenerife. Enero-febrero 2025

Con el apoyo del Gobierno de Canarias

LA POSIBILIDAD DE UN LUGAR

Francisco Naranjo con Carmen Caballero. Ahora solo, sin ti…

 

 

La globalización, aunque hoy en día no es una novedad, sigue marcando el ritmo con constantes transformaciones. Entre ellas, emerge una realidad inquietante: lugares a los que quizás nunca más podremos acceder. Donde quiera que miremos, parece que no queda un solo rincón libre de las presiones mundanas, ni del peso de una imaginación moldeada.

 

Así, el mercado global va más allá incluso de lo global: acercarse a la turistificación de otros planetas desde la Tierra es su casilla de salida.  La Tierra, al humano, empieza a quedarle pequeña  y entonces emergen de los océanos, islas artificiales, se perforan montañas, se ponen en anuncio los grandes corales del océano pacífico… Se habla de masificación.

 

Esta instalación artística concebida para ser un punto de inflexión, se plantea como un lugar de introducción y de análisis desde el vacío. Se plantea con unos elementos mínimos, en un lugar aséptico, frío y sin referencias. Para desde ahí adentrarnos a LA POSIBILIDAD DE UN LUGAR.

 

Grilletes, cuerdas, fotografías, esquemas, y un objeto (banqueta de cirugía), que deambula por el espacio galerístico, conviven, para hablarnos de una posibilidad que se transforma en su propia negación.

 

La imposibilidad de identificar un LUGAR como el escenario definitivo de nuestra felicidad refleja su naturaleza efímera y cambiante. La felicidad, lejos de anunciarse a un LUGAR concreto, se dispersa en momentos, personas y emociones que lo trascienden.

 

Revisa la manera en que los seres humanos, la inteligencia natural, concede sentido a su alrededor. Que un sistema autónomo sea capaz de un pensamiento simbólico, se debe a la habilidad de aportar una dimensión semántica que no está presente en el mundo, una intención que hace que determinadas cosas sean significadas por determinadas otras. Un mundo que no está prefabricado, ni etiquetado, sino que se presenta cargado de novedad, de variaciones y modificaciones imprevistas. Esta podría ser una de las fórmulas que, tal vez, refuercen la premisa de la imposibilidad de dar forma a ese LUGAR.

 

Y ya no tiene sentido pensar en el por-venir, y que el descrédito de las utopías revela una crisis de civilización, una falta de esperanza en la posibilidad de una sociedad radicalmente diferente.

 

El sueño, la aspiración y la lucha por una sociedad más justa, libre y fraterna ha sido y es una constante en la historia humana. Esta ilusión esperanzada y legítima, por estar enraizada en la naturaleza insatisfecha del hombre y en su afán de perfección, ha dado vida a numerosos proyectos, teorías y narraciones que, al contemplarse por los contemporáneos del “soñador” como “irrealizables” se han adscrito al género impreciso de la “utopía”. La cuestión de la utopía, remite a la operatividad del componente utópico en la movilización social en pro de transformaciones estructurales. Desde el pensamiento contemporáneo damos por normalizados los U-topos, y en esta ocasión, éste, se convierte en la posibilidad de la negación desde una afirmación: LA POSIBILIDAD DE UN LUGAR.

 

Originalmente, este acto expositivo se concibió como un ejercicio para llevar a cabo la última muestra de Francis Naranjo. Sin embargo, paradójicamente, se convierte en la última exposición que este autor realiza sin su compañera de vida, Carmen Caballero (1956-2024), con quien compartió durante 41 años todos los lugares, los viajes, los grilletes y los procesos de trabajo. Ahora, es ella quien, en su ausencia, nos remite a la imposibilidad de un LUGAR.                  

 

LA POSIBILIDAD DE UN LUGAR se convierte, entonces, en un gesto: una representación de un último aliento. Al atravesar esa experiencia simbólica, se accede a otro espacio, una otredad que se manifiesta como una realidad melancólica. Es una realidad sostenida por los amores (El amor y la pasión son los pilares que sustentan la filosofía), se cruzan y se desvanecen alrededor de una relación. Este LUGAR, aunque carece de una presencia concreta, existe en la intersección entre el recuerdo y el anhelo, un espacio intangible donde se refugio lo que nunca fue plenitud.

 

Ahora solo, sin tiempo…sin ti.

 

 

Francis Naranjo, 8 de noviembre de 2024, día de nuestro aniversario nupcial. 

Fotografías: Sergio Acosta